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Statuette de Dionysos de Priène

Statuette de Dionysos de Priène


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Berlin, Altes Museum

Quand le Musée Altes a été fondée au début du XIXe siècle, beaucoup de gens croyaient à la théorie de Winckelmann selon laquelle seuls les Grecs anciens avaient été capables de créer un véritable grand art et que la seule façon pour les artistes de devenir tout aussi grands était de les imiter. Si une nation voulait inspirer à ses sujets de grandes œuvres de beauté, elle avait besoin d'un bon musée, quelque chose de comparable au Vatican. Les Britanniques ont réussi à obtenir les marbres d'Elgin, les Français étaient fiers de leur Vénus de Milo et les Prussiens ont obtenu l'Altes Museum.

L'architecte, le grand Karl Friedrich Schinkel, a conçu un bâtiment qui s'est ouvert aux visiteurs comme une stoa grecque, mais en fait était une pièce ronde semblable à un Panthéon entourée de deux étages de pièces rectangulaires. Ce devait être l'endroit où la Prusse éduquait ses artistes - et ce fut un succès, car en une génération, l'Alte Nationalgalerie avait été ajoutée, où les artistes du XIXe siècle montraient comment ils s'étaient inspirés des classiques grecs. Plus tard, le musée de Pergame a été ajouté, avec des trouvailles de l'Empire ottoman, le musée Bode possède une collection byzantine et médiévale et le Neues Museum contenait tout le reste - l'Égypte et la pré- et la protohistoire de l'Europe.

L'Altes Museum est toujours un splendide musée traditionnel d'art classique. J'ai eu de la chance, car lorsque j'ai visité l'endroit le mois dernier, le département grec à l'étage inférieur était toujours ouvert et je pouvais tout voir, des idoles des Cyclades au groupe hellentistique de Prométhée. La collection contient également des statues et des armes, des vases, etc. Cette fois, j'ai pu visiter l'étage supérieur récemment rouvert, où j'ai vu les célèbres bustes de César, Cléopâtre et Caracalla. Le trésor d'argent d'Hildesheim dispose désormais d'un très grand écran. J'ai beaucoup aimé le nouveau département étrusque.

D'autres musées de Berlin sont peut-être plus intéressants personnellement, je suis toujours impressionné par tout ce qui concerne le mur et lors de cette visite, j'ai été particulièrement surpris par une visite à travers le "Berliner Unterwelten". Cependant, l'Altes Museum est de loin le plus beau musée de Berlin.

Ce musée a été visité en 2010.


Aperçu historique:

Les chercheurs supposent qu'à l'endroit où les colons grecs se sont installés et ont appelé Priène, il y avait déjà eu un règlement antérieur. Il est probable que, comme dans le cas de Milet, les origines de cette ville remontent à l'époque minoenne. Il existe également des théories selon lesquelles la ville appartenait au royaume d'Ahhiyawa, qui a été fondé à proximité de Milet à l'époque où les Hittites régnaient sur l'Anatolie. Cependant, contrairement à la situation de Milet, dans le cas de Priène, il y a un manque de preuves matérielles pour soutenir ces théories et conjectures.

La raison en est simple : l'emplacement d'origine Priène reste inconnu, probablement caché profondément sous les couches de sédiments apportés par la rivière Büyük Menderes (ancien méandre). On pense qu'au début, la ville était située sur une péninsule qui avait deux ports naturels. Cependant, avec le temps, la péninsule a été entourée par les sédiments transportés par le Méandre et coupée de l'accès à la mer, obligeant ses habitants à se relocaliser.

Temps mythologiques

Selon l'ancienne tradition, Priène a été fondée par Aepytus, un fils de Nélée - le fondateur de Milet, et un petit-fils de Nélée - le roi d'Athènes. Il a choisi le lieu de l'ancienne colonie kariane appelé Kadme. Le co-fondateur de la colonie était Philotas de la ville grecque de Thèbes. Il y avait aussi une autre croyance que la colonie d'origine avait été fondée par les Amazones, de la même manière que Gryneion et Pitane (aujourd'hui Çandarlı).

Colonisation grecque et domination perse

L'arrivée des colons grecs et la fondation de Priène est datée d'environ 1000 av. Les chercheurs pensent que la colonie était située près de l'ancien Aneon (actuellement la zone près de la ville de Söke). Le premier déplacement de Priène a eu lieu vers 700 avant JC, et l'impulsion pour le réaliser était une série de tremblements de terre. La colonie a ensuite été déplacée à environ 8 km de l'emplacement final de la ville du 4ème siècle avant JC.

Depuis l'époque de l'union des colonies ioniennes en Asie Mineure sous la forme de ce qu'on appelle la Ligue ionienne, c'est-à-dire l'alliance de douze villes, Priène a eu une grande importance. Il a accueilli des réunions et des événements organisés dans un lieu appelé Panionion. Le seul souvenir de l'histoire de la ville conservé de cette époque est une pièce d'électrum, frappée à partir d'un alliage d'or et d'argent, et décorée à l'effigie de la déesse Athéna. Il a été fabriqué au tournant du 6ème siècle avant JC.

Le résident le plus célèbre de Priène de cette période de l'histoire était Bias, considéré, comme Thalès de Milet, comme l'un des sept sages de la Grèce. Il s'est fait connaître en tant qu'avocat expert, penseur, auteur du poème d'Ionie et, surtout, homme au grand cœur et au sens remarquable de la justice. Sa pensée la plus souvent répétée est : « Tout ce que j'ai, je le porte sur moi » - ce qui signifie que la vraie valeur humaine réside dans l'intérieur des personnes.

On sait que les habitants de Priène ont pris part à la bataille navale perdue avec les Perses à Lade en 495 avant JC, envoyant 12 navires au combat. L'histoire de la ville a suivi un cours similaire à celui des autres villes de la région ionienne. Après une période de répression par les Perses, provoquée par la rébellion, les colonies ioniennes passèrent sous la domination d'Athènes. Puis Priène est devenu membre de la Ligue de Delian. Juste avant l'arrivée d'Alexandre le Grand en Asie Mineure, Priène était dirigée par le célèbre Mausole d'Halicarnasse, nommé par les Perses au satrape de la région. Mausole était responsable de la relocalisation finale de Priène à son emplacement familier sur les pentes du mont Mykale. Il espérait que cela s'avérerait une solution durable avec l'accès à l'excellent port de Naulochos situé en contrebas.

Période hellénistique

Les travaux de construction de la nouvelle Priène venaient de commencer, lorsque les Macédoniens ont finalement repris la région de l'Asie Mineure aux Perses. Leur chef, Alexandre le Grand, saisit volontiers l'idée de la construction d'une nouvelle ville et établit à cet effet une étroite coopération avec Mausole. Leur intention était de faire de Priène une ville modèle, planifiée par l'aménagement de l'urbanisme popularisé par Hippodamos de Milet. La rue principale de la ville longeait l'axe est-ouest et des rues plus petites la traversaient à angle droit. Alexandre le Grand lui-même était un mécène du temple d'Athéna Polias, et les riches habitants de la ville ont décidé de financer d'autres bâtiments publics à partir de leurs sources privées. La plupart de ces bâtiments ont encore des inscriptions avec les noms des commanditaires.

Priène de la période hellénistique était une petite ville avec une population de 6 000 habitants, selon les estimations maximales. L'emplacement de la ville sur le flanc d'une montagne, sur une petite superficie, a forcé la forte densité de bâtiments résidentiels et publics. En même temps, cependant, c'était une ville très riche, où de nombreuses maisons étaient bordées de marbre, et environ un tiers des maisons avaient son propre système d'égouts ou des toilettes et de l'eau courante qui venait directement des ruisseaux au sommet de Mykalé. A cette époque, la plupart des Grecs, y compris les habitants d'Athènes, devaient puiser l'eau des fontaines publiques.

Époque romaine et byzantine

La période de plus grand essor économique et culturel de Priène a duré du IIIe au IIe siècle av. La ville avait même son école de sculpture. Cependant, il n'a jamais retrouvé sa signification politique, dont il avait joui à l'époque archaïque. Pendant un temps, elle fut soumise au gouvernement des souverains du royaume de Pergame, puis elle passa sous le contrôle des empires romain et byzantin lorsqu'elle devint le siège du diocèse. Les Turcs ont conquis Priène à la fin du 13ème siècle après JC.


ART HELLENISTE

Après la mort d'Alexandre, à la fin du IIIe siècle avant notre ère, l'art grec connut deux siècles d'évolutions surprenantes. Après avoir perdu foi dans les anciens dieux, les thèmes artistiques sont devenus plus humains, même les choses les plus insignifiantes et difformes ont été exprimées par les artistes. À ce moment-là, le monde grec s'était considérablement élargi grâce aux conquêtes d'Alexandre. Les peuples d'Asie et d'Egypte ont renouvelé leurs styles artistiques basés sur les types grecs. La Grèce renaît dans ces terres d'adoption : Alexandrie, Pergame, Antioche, Ephèse sont alors les nouvelles capitales artistiques. Il est logique qu'il y ait eu une grande variété dans l'art grec de cette époque car de nombreuses personnes d'origines différentes ont assimilé les styles grecs. Cette période s'appelait d'abord alexandrin , mais maintenant pour rendre justice aux peuples d'Asie qui ont contribué beaucoup ou plus qu'Alexandrie à la dernière évolution de l'art grec, on l'a désignée sous le nom général de hellénistique période. Par conséquent, l'art et l'histoire grecque après la mort d'Alexandre sont appelés hellénistique pour les distinguer des mots purement grecs ou hellénique des siècles précédents. Nous verrons comment, au cours de cette période hellénistique, ont été créés de nombreux types architecturaux imités plus tard par Rome.

Le Temple de Zeus Olympien ou Olympieion à Athènes. La construction a duré 638 ans (VIe siècle avant JC au IIe siècle après JC). La Tour des Vents à Ahens ca. 2e siècle avant notre ère ou 50 avant notre ère.

Il devait y avoir un art hellénistique en Egypte surtout à Alexandrie, il y avait un art hellénistique dans plusieurs parties de l'Asie : Pergame, Rhodes et Antioche, il y avait un art hellénistique en Italie qui a largement contribué à la formation de l'art romain antique, et il y avait même un art hellénistique en Grèce même. A Athènes, par exemple, il a été construit le Olympieion ou Temple de Jupiter. Bien que ce grand édifice soit resté inachevé, ses gigantesques colonnes corinthiennes ont causé aux voyageurs à l'époque romaine la même crainte qu'ils produisent aujourd'hui. Ce temple est souvent cité comme un exemple de hypers temple, c'est-à-dire que dans sa double colonnade il renferme un cella comme terrasse extérieure. Le petit bâtiment octogonal appelé Tour des Vents à Athènes date également de cette époque. Il doit avoir tenu un clepsydre* (horloge à eau) ou gnomon* (cadran solaire). Le nom de cet édifice est attribué aux huit reliefs avec des figures représentant chacun des vents et qui forment une sorte de frise au sommet.

Au cours de cette période, de nombreux édifices monumentaux ont été érigés non seulement à Athènes et sur son territoire, mais dans toute la Grèce. Les sanctuaires d'Olympie et de Délos en sont de bons exemples. A Délos et Priène (célèbre ville hellénistique d'Asie) le plan d'urbanisation suivait la trace de l'ancien architecte ionien Hippodamus de Milet qui prescrivait un quadrillage de rues.

Les maisons de l'époque hellénistique avaient peu d'ouvertures sur rue, si elles faisaient face à deux rues, alors la porte était parfois située dans la rue la moins passante et donc cachée au regard des passants. Cette porte s'ouvrait sur un couloir latéral menant à une cour carrée autour de laquelle étaient réparties toutes les pièces, au fond de la cour se trouvait le hall principal toujours plus orné qui servait de réception et de salle à manger.

Reconstitution d'une ancienne maison grecque.

La disposition des maisons grecques à Délos et à Priène variait peu : toutes avaient la cour centrale assez grande qui manque aux maisons romaines de l'époque républicaine. Cette différence révèle des origines différentes : la maison grecque est née des constructions préhelléniques avec cour et mégaron, tandis que la maison romaine vient plutôt de la hutte primitive du Latium faite de rondins d'arbres et avec une ouverture au plafond pour évacuer la fumée qui devient le atrium. Au début du premier siècle, un goût croissant pour les coutumes grecques a introduit la cour dans les maisons romaines, de sorte que la plupart des maisons de Pompéi et de la Rome impériale étaient vraiment de style grec. Certaines maisons de Pompéi avaient plusieurs étages et devaient donc l'être aussi les maisons des grandes villes hellénistiques comme Alexandrie et Antioche.

L'ancienne ville de Priène avait un grand porche ou stoa*comme promenade publique. Les porches étaient très abondants et étaient l'une des choses les plus caractéristiques de ces villes semi-libres de l'Est. Les corniches supérieures du porche étaient déjà ornées de reliefs faisant allusion à des trophées militaires dont l'art de l'Empire romain dut tirer grand profit des années plus tard.

La bibliothèque de Celsus à Éphèse (qui fait maintenant partie de la Turquie), la construction a commencé en 117 après JC. et a été achevé en 120.

A l'époque hellénistique les bibliothèques municipales étaient parfois situées dans un bâtiment spécial, la bibliothèque d'Ephèse avait une somptueuse façade avec deux ordres d'ouvertures. Les manuscrits et les rouleaux de papyrus étaient stockés dans des niches carrées entre des colonnes situées autour des murs. Cette bibliothèque d'Ephèse a été imitée à l'époque romaine. Un autre bâtiment à vocation intellectuelle était le gymnase pour l'éducation de la jeunesse qui venait assurer le même service que nos lycées.

Reconstruction du Bouleuterion de Milet (environ 175 avant notre ère - – 164 avant notre ère).

Un élément presque indispensable d'une cité hellénistique était la bouleutérion* ou Palais du Conseil municipal où se réunissait le petit sénat. Le seul édifice de ce type connu aujourd'hui est celui de Milet. L'entrée était un porche de style Propylées avec quatre colonnes à l'avant menant à une cour carrée à colonnades. Dans cette cour se trouvait un ara*qui était un autel ou une tombe d'un citoyen célèbre (toujours en tant que Héroon) et en bas se trouvaient les locaux de l'administration et des réunions.

Le théâtre de Dionysos Eleuthereus, l'un des premiers conservés à Athènes. Ce théâtre pouvait accueillir 17 000 spectateurs. Trônes de marbre au Théâtre de Dionysos (Athènes).

Le théâtre n'a jamais été absent dans une cité hellénistique, même les petites villes frontalières du désert en avaient un. Deux choses les distinguent du théâtre grec antique : ses dimensions croissantes et la scène aussi plus grande et plus luxueuse. On voit ainsi ces grandes scènes ornées de colonnes qui ont parfois l'importance d'un monument. La décoration de la scène augmentait toujours pour devenir vraiment magnifique à l'époque romaine. De chaque côté de la scène se trouvait une double porte où les acteurs et le chœur faisaient leur entrée. Les dimensions des tribunes destinées au public atteignaient des proportions énormes dans les villes hellénistiques. A Athènes, le théâtre de Dionysos a été reconstruit avec une grande magnificence et même de magnifiques chaises de marbre ont été ajoutées pour accueillir les juges et les hauts fonctionnaires. Un autre exemple digne de mention est le théâtre d'Épidaure.

Théâtre d'Epidaure (Grèce), il pouvait accueillir 14 000 spectateurs.

Pour compléter l'idée d'une ville hellénistique, il faut mentionner les tombeaux. Athènes a continué à enterrer ses morts dans le quartier de la céramique à l'aide de pierres tombales traditionnelles, mais les thèmes artistiques sont devenus de plus en plus personnels et anecdotiques, ce qui a diminué l'intérêt dramatique des scènes sculptées. Tantôt les mêmes vieux numéros comme l'éternel adieu apparaissaient en petits reliefs sous une abondante ornementation d'acanthe, tantôt les scènes étaient purement décoratives comme dans de magnifiques cruches qui rappellent un urne cinéraire*. En Asie, les tombes monumentales de type Mausolée se sont répétées avec des formes plus simples comme des tours à base carrée ou circulaire. Les Romains ont adopté ce modèle de tombe en forme de tour.

De nombreuses villes asiatiques ont conservé d'abondants sarcophages, dont certains décorés avec un luxe inégalé. La boîte en marbre contenant le corps n'est pas d'origine grecque mais orientale, et bien dans l'ère chrétienne, les sarcophages ont été exportés d'Asie vers la Grèce et Rome. Mais les thèmes des reliefs étaient à l'origine les favoris des anciens Grecs, les mêmes que nous avons retrouvés dans les urnes cinéraires : femmes en deuil, courses de chars pour les funérailles, combats, chasse et banquets, tous sculptés dans la pierre ou le marbre au lieu d'être peints sur la surface.

En cette époque de grand renouvellement des formes architecturales, même les édifices religieux participent au changement qui s'opère. La foi était alors plus philosophique, presque panthéiste et donna naissance à des autels richement décorés. L'autel se tenait autrefois devant le temple, il rappelait l'autel mycénien placé dans la cour devant le mégaron, mais à cette époque des autels de dimensions gigantesques ont été construits. Il s'agissait d'énormes socles isolés parfois décorés de reliefs montrant par leur magnificence la piété ressentie par la nouvelle conception d'un Zeus cosmique père du ciel et de la terre. Plus tard, lorsque nous parlerons de Pergame, nous mentionnerons son grand autel avec des reliefs représentant la bataille des dieux et des géants. Notez que ces immenses autels n'étaient pas destinés à faire des sacrifices ou même à garder un feu sacré, l'autel était un symbole de la grande unité et l'omniprésence de Zeus s'est alors transformée en un dieu universel synthétisant tous les dieux. Cependant, la vie municipale a continué à exiger des temples pour les dieux locaux qui ont été construits selon les anciens modèles classiques.

D'Asie et d'Égypte, mais surtout des cités grecques d'Asie, sont venues les idées et les principes nouveaux de l'architecture, c'est pourquoi il est si important de suivre le processus d'évolution des styles classiques en Orient pendant la période hellénistique.

L'ordre dorique, lorsqu'il a été adopté en Asie, a toujours été mal interprété. Les chapiteaux, au lieu d'avoir la moulure incurvée appelée echinus, avaient une section droite, les colonnes qui, dans l'ordre dorique traditionnel, étaient plus courtes et plus proches sont devenues beaucoup plus minces et séparées. L'ordre ionique a également évolué en Asie, où il a acquis les caractères qui nous sont familiers pour ses imitations romaines. Les colonnes reposent sur de hauts socles aux bases élaborées et surtout le chapiteau, qui maintient les volutes, perd ses bourgeons caractéristiques et est décoré de palmettes, d'acanthes et de rosaces. A l'époque hellénistique, le chapiteau corinthien s'affine et se popularise, étant donné qu'auparavant il n'était que timidement employé à partir de Périclès. Un exemple qui sera toujours mentionné pour le modèle corinthien à cette époque est le temple de Zeus, l'Olympieion à Athènes.

Une reconstruction de la Bibliothèque d'Alexandrie. Une maquette de l'Acropole de Pergame.

La ville d'Antioche, alors capitale du royaume de Syrie, a joué un rôle important dans l'art. Antioche était considérée à l'époque romaine comme la troisième ville du monde après Rome et Alexandrie. À Antioche a commencé à se former une puissante école, qui a ensuite influencé les origines de l'art byzantin. Encore plus frappant est notre connaissance limitée d'Alexandrie, alors centre d'une cour d'esprit intellectuel et raffiné, rappelant ainsi les capitales d'aujourd'hui, un emporium de curiosité mystique et scientifique, d'amour et d'art. Les descriptions littéraires nous permettent de connaître très peu de sa célèbre Bibliothèque et Musée (c'est-à-dire le temple des Muses, temple du savoir) et le Palais Royal qui occupait près d'un quart de la ville et dans lequel se tenaient de somptueuses fêtes civiques.La seule capitale hellénistique que nous connaissons bien est Pergame, le plus petit centre de tous les États macédoniens asiatiques.

La Victoire ailée de Samothrace, une sculpture en marbre du IIe siècle avant notre ère (Louvre).

L'évolution vécue par les formes grecques à l'époque hellénistique se suit mieux sur la sculpture que sur l'architecture. Les anciens types sont devenus plus réalistes et individualistes. Un exemple typique de cette évolution est la statue appelée la Victoire ailée de Samothrace qui, semble-t-il, a été commandée par Demetrius de Syrie pour commémorer sa victoire navale sur Ptolémée en 306 avant notre ère. La déesse, à la proue d'un navire et portant à la main un trophée pris à l'ennemi, a le corps tourné vers l'avant, défiant le vent qui fouette les plis de sa robe avec le flux d'air caractéristique de la brise marine. L'artiste excelle donc à exprimer les effets de différents phénomènes tels que la gravité, le frottement, l'inertie, tous affectés par l'agent extérieur des vents contraires intermittents des côtes méditerranéennes. Comparez cette statue avec les types de ces premières victoires grecques qui, pour voler, devaient s'agenouiller sur le sol & #8230

La Vénus de Médicis (Galerie des Offices, Florence), une copie en marbre romain du 1er siècle avant notre ère d'après un original en bronze grec sculpté par Cléomène.

L'ancien centre artistique d'Athènes devait survivre en reproduisant de grands chefs-d'œuvre antiques qui étaient exportés comme une denrée précieuse. Plusieurs fois, ces copies étaient si gratuites qu'elles atteignaient une certaine originalité comme la Vénus de Médicis, une adaptation de l'Aphrodite de Cnide par Praxitèle, car au lieu de représenter la déesse sortant du bain avec la cruche et les vêtements, cette fois elle ne 8217t tente de cacher sa nudité et est représentée en train de naître des vagues de la mer accompagnée d'un cupidon et d'un dauphin. D'autres Aphrodites sont encore plus sensuelles, il s'agissait d'un type célèbre avec la déesse reposant un genou au sol et l'autre jambe pliée qui semble être l'œuvre de Dédale de Bithynie.

C'est le temps de Vénus et de l'Amour, même sous d'autres formes moins courantes comme en témoignent les innombrables sculptures d'hermaphrodites. Les anciens dieux étaient de plus en plus oubliés. Sérapis, la divinité tutélaire d'Alexandrie, est une autre nouvelle divinité qui gagne plus tard en importance. Il était représenté comme un Zeus transfiguré.

La Vénus accroupie (Musée du Vatican), une copie en marbre d'après un original de Dédale de Bithynie (ca. 250 avant notre ère.). Le Louvre et le Musée national de Rome possèdent également des copies en marbre de cette statue.

Corrélatif d'Aphrodite ou de Vénus, puis du numen ou divinité pour la philosophie épicurienne (car selon l'école d'Épicure l'eau est l'élément actif du monde), le culte de Dionysos prend également de l'importance. Il était vu comme le symbole universel des stoïciens car selon eux son principe actif est le feu qui s'est toujours imposé à l'initiation aux mystères de Dionysos-Bacchus. Ainsi Vénus avec ses Néréides et ses Muses et Dionysos avec ses Bacchantes partageaient presque également l'intérêt des sculpteurs et des peintres hellénistiques. Dionysos est le leitmotiv de la décoration alexandrine et était initialement représenté comme un vieillard à la barbe frisée. Il est curieux que Bacchus soit plus tard apparu plus jeune et ait fini par être un garçon imberbe couronné d'une couronne de lierre. Il était le seul dieu rajeuni avec le temps, la plupart des dieux grecs, ainsi que les représentations primitives du Christ dans les premières catacombes paléochrétiennes, ont commencé à être de jeunes garçons imberbes pour devenir plus tard des hommes mûrs et barbus.

Les figures de plus en plus fréquentes de faunes et de satyres ont fourni de nouveaux thèmes à la sculpture aussi bien que les centaures le faisaient autrefois, voir par exemple le jeune centaure marcher gai et claquer ses doigts qui portaient apparemment la statuette de l'Amour sur sa croupe.

L'un des Centaures Furietti, connu sous le nom de Jeune Centaure (il y a une autre sculpture qui l'accompagne, représentant et Vieux Centaure), (Musée du Capitole, Rome). Statue d'un garçon en prière, ca. 300 avant notre ère, un bronze de Boetas (Altes Museum, Staatliche Museen, Berlin).

La religion devenait de plus en plus un culte intellectuel du principe suprême de l'univers. Un excellent reflet de ce mysticisme est la statue du Jeune priant, œuvre d'un élève de Lysippe appelé Boetas qui a été conservée dans une copie en bronze au Musée de Berlin. Cependant, au lieu des anciens types de dieux et de déesses, les représentations de la déesse Tyché, ou de la Chance ou de la Fortune, étaient plus fréquentes. Ces représentations étaient très estimées et la Tyché d'Antioche, œuvre d'Eutiquides, fut abondamment reproduite. Cette statue est assise sur un éperon rocheux, a dans sa main plusieurs pointes, et sa tête tient la couronne de tours qui deviendra désormais un attribut indispensable pour représenter les villes. L'aspect le plus original de cette statue est l'allusion topographique avec la figure d'un garçon qui s'enfuit de ses pieds, il s'agit de l'Oronte qui après avoir coulé sous terre revient à son cours naturel à Antioche.

La Tyché d'Antioche, copie romaine en marbre d'un bronze d'Eutychide (Musées du Vatican), ca. 290 avant notre ère.

Ces représentations topographiques devenaient très fréquentes et furent les modèles utilisés plus tard par l'art romain officiel. Le groupe du Nil, peut-être aussi de l'époque romaine, est un exemple de cette tendance. Le grand fleuve avec sa barbe fluide repose sur un sphinx, apparaît couronné de pointes et d'une corne d'abondance. Seize enfants représentant le nombre de coudées que l'eau a soulevées lors de sa crue annuelle, jouent autour de lui à genoux et même l'un d'eux a osé grimper sur son épaule droite.

Le Nil (Musée du Vatican).

Dans les provinces, à l'époque romaine, les rivières de chaque région étaient représentées avec ce même type de dieu allongé sur le sol et indiquant sa nature aquatique par une cruche ou une amphore tenue sous son bras et dont l'eau coulait. La tradition du personnage allongé sur une grande cruche d'eau s'est ensuite transmise à l'art chrétien pour représenter des fonts locaux ou des personnifications de lieux féminins ou masculins selon qu'ils représentent des fonts ou des rivières.

Garçon avec Thorn, également appelé Spinario, une copie en marbre romain d'après un bronze hellénistique dans le Palazzo dei Conservatori, Rome. Cet exemplaire est à la Galerie des Offices, Florence.

A côté des compositions allégoriques, des hypothèses idylliques sont également apparues. De nombreuses œuvres anciennes des siècles précédents ont été copiées pendant la période hellénistique avec un nouvel accent amusant. Le Spinario ou Garçon avec une épine, un vieux thème d'un jeune coureur qui après la course s'assoit pour enlever une épine de ses pieds, est repris par les sculpteurs hellénistiques comme un adolescent aux cheveux raides. Un autre thème, maintes fois copié à l'époque hellénistique, est celui de l'enfant qui se bat avec une oie, parodie de l'athlétisme des siècles précédents. Le petit s'efforce d'étouffer l'oie qui se défend furieuse et tente de l'abattre. Le garçon luttant avec une oie a été reproduit à plusieurs reprises, l'original était du même Boetas dont nous avons parlé auparavant de sa statue du jeune priant.

Enfant jouant avec une oie, copie romaine d'un original grec du IIe siècle av. par Boéthos de Chalcédoine (Louvre).

Mais l'exemple le plus poétique de cette sympathie pour les problèmes des enfants est le groupe de deux enfants s'embrassant identifiés comme Eros et Psyché et maintenant au Musée du Capitole. Les deux enfants s'embrassent innocemment sans connaître la source de la force mystérieuse qui scelle leurs lèvres. Les deux corps sont presque également féminins : il sourit en initiant le baiser, elle penche la tête surprise par l'étrange caresse de l'enfance.

Eros et Psyché, sculpture romaine en marbre d'après un original hellénistique du IIIe siècle avant notre ère. (Musées du Capitole). Alexandre le Grand divinisé comme Hélios, copie romaine en marbre d'après un original hellénistique du IIIe au IIe siècle avant notre ère. (Musée du Capitole, Rome).

A côté de ces enjeux, un autre mouvement artistique semble se complaire dans l'interprétation plus réaliste de la nature. L'origine de cette tendance se trouve dans des portraits qui ressemblent plus exactement à leurs modèles. Les portraits de la Grèce antique étaient rares et appartenaient généralement à des héros. Lysippe avec son zèle pour l'interprétation vivante de la nature a ouvert la porte à un réalisme extrême. Ses portraits d'Alexandre le Grand étaient célèbres dans l'Antiquité.

Philosophie, théâtre, oratoire, telles sont les activités nouvelles qui remplacent la victoire sportive ou militaire pour justifier un portrait héroïque. Les philosophes étaient représentés debout ou assis portant leur manteau, trait distinctif de leur profession.

Sophocle (Musée du Latran, Rome).

Les deux superbes portraits de Sophocle et Démosthène, bien que d'époques différentes (le portrait de Sophocle semble être quelque chose de plus ancien), témoignent de l'admirable habileté des sculpteurs d'Athènes à élaborer des portraits. L'original de Sophocle a été réalisé en bronze et a peut-être été sculpté pour orner le théâtre d'Athènes. Le seul exemplaire connu repose au Musée du Latran et, bien qu'en marbre, doit reproduire l'original avec une grande fidélité. Cette statue donne une idée parfaite de l'homme intellectuel en pleine possession de toutes ses forces physiques et morales, il est dans une attitude de repos distincte de cette autre position avec une jambe pliée des athlètes héroïques et des Amazones, et aussi différente de la position d'abandon sensuel montrée par le satyre de Praxitèle. Sophocle se tient les deux pieds sur terre, son corps se penche en arrière dans une attitude contemplative, les bras sont apparus avec une élégance naturelle.

Démosthène (Musée du Vatican), copie en marbre romain d'après un original grec en bronze de 280 av.

La statue de Démosthène constitue un pas de plus vers le naturalisme. Sur son visage on voit les rides, l'agitation, l'angoisse tragique de l'homme illustre qui a voulu défendre par sa parole la liberté d'Athènes. Ce chiffre a été attribué à un sculpteur nommé Polieuctes et ses mains étaient censées être ensemble. Son manteau n'est pas plié avec ces amples plis de Sophocle mais est plus froissé comme s'il avait suivi le geste nerveux de l'orateur.

Callimaque, le bibliothécaire et grammairien d'Alexandrie, est un autre portrait probablement de l'époque hellénistique, et auparavant supposé représenter Sénèque, un portrait faisant preuve d'une réelle virtuosité en présentant des particularités personnelles extrêmes de la physionomie : rides, geste des lèvres, cheveux désorganisés, voire transpiration de la peau.

La Tête de Sénèque (Musée National de Naples) est probablement le portrait de Callimaque, bibliothécaire et géomètre d'Alexandrie. Il s'agit d'une copie hellénistique d'un original du IIe siècle avant notre ère. Tête de boxeur (collection Dutuit), un bronze alexandrin.

Suivant cette voie du naturalisme, l'art tend à montrer une prédilection pour les images décrépites et déformées et même tolérées de corps à la conformation vicieuse. Ces figures sont extrêmement curieuses car initialement l'art grec avait connu une véritable horreur de la nature humaine en dehors de sa jeunesse ou de sa maturité virile, les enfants et les vieillards étaient rarement acceptés comme thème pour les sculpteurs classiques. Or les artistes grecs penchaient peut-être pour la nouveauté vers les cas où la vieillesse est montrée plus grossièrement. Même les cas anormaux étaient reproduits avec un certain plaisir et les artistes montraient intérêt à pénétrer dans l'âme du malheureux difforme.

Après avoir décrit les principaux types d'art hellénistique à travers le monde grec, nous devons identifier le style des différentes écoles d'Alexandrie, de Pergame, de Rhodes et même de la Grèce elle-même pendant le règne des successeurs d'Alexandre comme il est montré dans une série de reliefs avec figures et paysages de la vie à la campagne, finement poétisés et complètement différents de l'art de l'époque classique. De nos jours, ces reliefs bucoliques comptent parmi les plus belles manifestations de l'art hellénistique en Grèce. Ces reliefs sont réputés pour leurs effets de perspective : les figures du premier plan sont présentées en plein haut relief presque entièrement détachées du bloc de marbre, tandis qu'à l'arrière-plan les figures ont été sculptées avec la technique du sfumato* qui est à peine esquissé.

Relief d'un paysage avec un paysan qui va au marché en passant par un sanctuaire sauvage de style archaïque (Staatliche Antikensammlungen, Munich), ca. deuxième siècle avant notre ère. Noter la “esfumatura” technique à l'arrière-plan, contrairement aux figures en vrac du premier plan.

Diverses tendances artistiques de l'époque et des artistes de différentes régions ont convergé à Alexandrie comme cela se produit aujourd'hui dans toutes les villes du monde. Cependant, deux choses semblent avoir été particulièrement particulières à cette capitale, la première étant le penchant notoire pour les types praxitéliques sensuels encore adouci par une sorte de déliquescence dans la technique du marbre, que l'on appelle conventionnellement la technique alexandrine. sfumato, le deuxième aspect original de l'art de cette métropole était la prédilection pour les sujets « de rue », les types grotesques qui devraient abonder dans cette agglomération confuse de peuples de toutes races. Les petits bronzes nous parlent de cet art singulier. D'innombrables questions que l'art grec avait souvent méprisées car jugées trop vulgaires et trop simples étaient traitées avec un goût exquis par les sculpteurs de la capitale. Même les eunuques et les plus vils scélérats étaient fidèlement représentés dans ces bronzes pleins de vie.

Mais il n'y avait pas que la ville d'Alexandrie qui avait ces intérêts, ce goût de l'anecdote était général dans le monde grec à l'époque.

Il est plus facile de déterminer le style de l'école de Pergame. Pergame était dirigée par une série de princes philanthropes et d'amateurs d'art. Avec une nette tendance romantique pour l'héroïque et le sublime, les tendances artistiques de Pergame étaient à l'opposé de celles d'Alexandrie : la maniere grand a été encouragé par des compositions pleines de géants, de héros et de barbares lors de combats acharnés. L'art de Pergame a toujours eu un ton emphatique et grandiloquent révélant sa noble origine. En raison de la grande richesse de la ville, les princes du petit territoire qu'était l'état de Pergame disposaient d'une forte armée de mercenaires et ainsi Pergame remporta le titre de défenseur de la race grecque lorsque ses armées arrêtèrent une invasion de Celtes, de barbares galates , c'était comme une anticipation des invasions des peuples barbares qui deviendront plus tard une préoccupation pour les empereurs romains. Les rois intellectuels de Pergame, fiers de l'efficacité de leur action militaire, ordonnèrent de sculpter plusieurs groupes de Gaulois vaincus pour les ériger en ex-voto dans leur temple de Minerve Polias à Pergame et dans l'Acropole d'Athènes.

La Gaule mourante, une copie en marbre romain d'une sculpture hellénistique perdue probablement exécutée en bronze, ca. 230 et 220 av. (Musée du Capitole, Rome).

Il existe différents groupes de Pergame représentant différents épisodes de la lutte contre les Celtes ou les Gaulois. Dans l'un d'eux, un Gaulois mortellement blessé fixe le sol de ses yeux voilés tandis qu'un de ses bras repose à peine sur le sol. On voit du sang coagulé dans ses blessures et ses cheveux bouclés, et sur son visage il y a une expression de douleur qui n'a jamais été reflétée dans l'art grec. Cette statue était d'un grand intérêt pour les romantiques estimant qu'elle représentait un gladiateur mourant. Mais c'est un celte ou un gaulois parce qu'il porte au cou le collier ou torsion*distinctif des guerriers celtes. Il a au sol le klaxon qu'il a fait retentir pour demander peut-être de l'aide. Dans ces sculptures de Pergame, il y a une précision ethnographique absolue pour reproduire le caractère d'une race particulière.

Un nouveau triomphe militaire sur les barbares voisins a incité un autre roi de Pergame à construire un grand autel à Zeus décoré d'une frise de sculptures dans la base. L'autel lui-même était confiné dans un portique à colonnes ioniques mais son importance artistique réside dans les reliefs de la base du portique qui représentaient la bataille des dieux et des géants : la Gigantomakhia. Les figures sont en haut relief, chaque corps est moulé avec des détails extraordinaires, et toute la musculature est accentuée pour indiquer les efforts surhumains des géants et des dieux.

L'autel de Pergame, ca. 180 avant notre ère. (Musée de Pergame, Berlin).

Dans ces reliefs il y a une grande abondance de thèmes et d'épisodes faisant de cette frise, qui court sur 130 mètres, toujours une variante. Dans une partie apparaît Athéna combattant aux côtés de sa fidèle Victoire, la déesse doit user de toute sa ruse pour soulever par les cheveux le géant Alkyoneus car on sait que le terrible monstre perd toute sa force une fois qu'il est soulevé du sol, tandis que sa mère , la déesse Gea ou la Terre, implore la miséricorde d'Athéna. De l'autre côté, Zeus avec sa pique et ses raies tue trois géants à la fois. Le Soleil et la Lune dans leurs chars combattent également aux côtés des dieux. Certains géants ont une tête de lion, d'autres des queues monstrueuses. Le style varie aussi dans les différentes parties de cette longue frise mais il est toujours mouvementé, violent, convulsif.

Relief de la frise est de l'autel de Pergame représentant des scènes de la Gigantomachie : Athéna se bat avec le géant Alkyoneus (Musée de Pergame, Berlin). Une reconstruction idéalisée du Colosse de Rhodes.

Après Alexandrie et Pergame, l'école hellénistique la plus caractéristique fut celle de Rhodes. Plusieurs disciples de Lysippe se sont établis à Rhodes. L'un d'eux, Chares de Lindos, était l'auteur du Colosse de Rhodes (l'une des sept merveilles du monde antique) qui mesurait plus de 30 m de haut et a été construit vers 280 avant notre ère puis détruit par un tremblement de terre 56 ans plus tard. En raison du manque de copies ou de reproductions du Colosse de Rhodes et d'autres sculptures trouvées dans situation* il faut se fier uniquement aux données fournies par deux grandes œuvres de Rhodes, également mentionnées par les écrivains antiques, pour comprendre le style des sculpteurs rhodiens. L'un est le groupe de Laocoon et de ses fils trouvés dans les thermes de Titus. C'était une œuvre d'Agesander de Rhodes en collaboration avec ses deux fils Polydore et Athénodore. Dans ce groupe de Laocoon, l'effet théâtral reflété par l'anatomie humaine vue dans l'autel de Pergame est encore plus exagéré. A la douleur physique de l'étranglement causé par les énormes serpents envoyés par Apollon s'ajoute l'immense douleur morale qu'exprime le prêtre troyen Laocoon en assistant à la mort de ses fils. Dans ce groupe, les trois corps humains apparaissent pressés par les deux serpents : la poitrine du père est gonflée et les muscles et les veines sont extrêmement marqués sur la peau, les visages sont aussi très contractés spécialement chez les Laocoon.

La statue de Laocoon et ses fils (Musée du Vatican), montrant le prêtre troyen Laocoon et ses fils Antiphante et Thymbraeus attaqués par des serpents de mer.

Une autre œuvre des sculpteurs rhodiens qui nous a fait encore mieux connaître leur style est la gigantesque composition dite du groupe Farnèse représentant le châtiment de Dirce voué à être traîné par un taureau attaché à ses cornes.

Le Taureau Farnèse, (anciennement dans la collection Farnèse à Rome, maintenant au Musée Archéologique National de Naples), c'est la plus grande sculpture unique jamais récupérée de l'Antiquité à ce jour. Californie. IIe siècle avant notre ère.

D'autres produits de l'école rhodienne sont les statues des Muses d'un sculpteur nommé Philiscus dont il reste de nombreux exemplaires. Ce sont neuf figures uniques qui devaient entourer la figure d'Apollon. Certaines de ces femmes sont des types vraiment inspirés, celle appelée Polymnie (la Muse de la poésie sacrée) est enveloppée dans les plis de son ample manteau et était souvent reproduite en copies romaines, Uranie (la Muse de l'Astronomie) était représentée pensif, assis, et avec sa tête appuyée sur une main.

Certaines des statues hellénistiques des Muses au Musée du Vatican, de gauche à droite : Clio, Muse de l'Histoire, Urania, Muse de l'Astronomie, et Thalia, Muse de la Comédie. Aphrodite et Mars, fresque de Pompéi (Musée National de Naples).

Enfin, il faut mentionner la peinture et les arts somptuaires de cette époque. Les thèmes picturaux étaient de plus en plus vulgaires et se concentraient principalement sur des questions comiques interprétées avec un style complètement moderne lorsqu'elles dérivaient des mythes antiques. C'est ce qui s'est passé, par exemple, avec le thème de Mars et Vénus qui a été reproduit avec des variations. Alors que de nombreux cupidons s'amusent à jouer avec les armes et le casque du dieu, il essaie de se libérer des bras de sa femme pointant vers les champs de guerre lointains, mais de nouveaux cupidons viennent avec des parfums et ainsi Vénus garde Mars à ses côtés. Ce thème a été fréquemment récurrent au cours des siècles et a produit des œuvres d'art intemporelles entre les mains de peintres de la Renaissance comme Botticelli. Un autre thème créé à l'époque hellénistique et reproduit depuis des siècles est celui des Trois Grâces représentées dansant formant un cercle, deux de face et la figure centrale dos au spectateur. L'un des premiers exemples connus de ce thème est une fresque pompéienne apparemment inspirée d'une sculpture de la fin de l'époque hellénistique.

Vénus et Mars, ca. 1483. Tempera sur panneau, par Sandro Boticelli. Les Trois Grâces, fresque retrouvée à la Masseria Cuomo à Pompéi et inspirée d'une sculpture hellénistique tardive (Musée National de Naples). Les Trois Grâces, copie romaine en marbre d'après un original hellénistique, les têtes sont une restauration moderne (Louvre). Médée, la sorcière (Musée national de Naples), fresque, copie d'Herculanum d'un original de Timomacos.

Parfois, les peintres hellénistiques s'efforçaient de représenter des états d'âme complexes et anormaux et manifestaient, comme le faisaient les sculpteurs, une forte propension aux situations tragiques extrêmes. A titre d'exemple nous connaissons une peinture de Médée par Timomacos de Byzance qui a été reproduite avec plus ou moins d'exactitude dans deux fresques de Pompéi. Même les grands thèmes héroïques ont été interprétés avec une certaine ironie et les personnages tragiques ont été remplacés simplement par des amours en costumes. On connaît quelques noms d'artistes célèbres pour leurs peintures de natures mortes et montrant parfois des effets de lumière comme ceux que l'on retrouve dans les œuvres des plus grands peintres modernes. D'autres peintres se consacrent à la représentation de paysages. Dans certaines compositions impliquant des affaires de la Odyssée, maintenant au Musée du Vatican, les différents paysages de montagnes rocheuses et de mers ont été peints avec une habileté inégalée. Le “impressionnisme” de ces peintres peut également être compris par l'exécution habile de certaines peintures pompéiennes réalisées avec de simples taches de couleur sans dessiner de contours ni de détails. L'une des spécialités de l'art d'Alexandrie était la peinture sur verre appliquée sur un mur formant un enduit. Au sol, la mosaïque impliquait un marbre coloré, au centre étaient reproduites des peintures célèbres, et autour d'elles se trouvaient des cadres et des franges avec des motifs géométriques et végétaux. Certains artistes ont travaillé exclusivement sur des mosaïques. L'un de ces artistes, en particulier, est devenu célèbre grâce à ses reproductions de coquillages, d'ossements et autres vestiges d'une grande fête tous représentés sur le pavé des bâtiments et des maisons et ce style était à la mode à l'époque. Dans les fontaines et les salles de bains, les profondeurs de la mer, pleines de poissons, étaient parfois représentées.

Navires d'Ulysse attaqués par les Laestrygoniens (Bibliothèque du Vatican). Camée de Tolomeo II et Arsinoe (Kunsthistorisches Museum, Vienne).

On y trouve des tasses et des plats en métaux précieux avec des reliefs de l'époque romaine sans doute inspirés de modèles hellénistiques. Même certains thèmes ornementaux comme le lierre ou le laurier et les feuilles d'olivier, souvent employés par l'art romain, devaient déjà avoir commencé chez l'orfèvre des cours de l'Asie hellénistique et de l'Égypte des Ptolémées. Aussi en Egypte a commencé à se multiplier camées* avec des portraits, un artefact très traditionnel dans cette région. À Alexandrie, Pyrgotèle jouissait d'une grande renommée et créait des effets sur les pierres sculptées qui n'étaient jamais dépassés ni même égalés. Les deux merveilleux camées avec le portrait de Ptolémée II et de sa femme Arsinoé sont les chefs-d'œuvre de l'hellénisme glyptique*. Le camée conservé au Musée de Vienne montre un relief savamment sculpté dans une superposition de neuf couches blanches et sombres. Les monnaies grecques avaient tendance à reproduire les portraits des monarques successeurs d'Alexandre le Grand.

Les verres alexandrins sont magnifiques avec plusieurs couches de couleur parfois sculptées formant un décor singulier avec des figures comme un camée. Tel est par exemple l'admirable vase Portland du British Museum avec ses figures laiteuses se détachant sur le fond bleu foncé du verre. Le vase Portland n'a la valeur d'un véritable camée que parce qu'au lieu de sculpter une pierre naturelle à plusieurs strates, l'artiste a sculpté des figures dans une douce couche de verre plus clair superposée au verre bleu foncé qui forme le corps du vase.

Le vase de Portland (British Museum).

En revanche, la poterie hellénistique manquait de valeur artistique et elle n'est intéressante que pour les informations qu'elle fournit sur la vie privée des gens de cette époque, en particulier leur prédilection pour le théâtre. Au IIIe siècle avant notre ère, les potiers athéniens cessèrent de peindre des compositions figuratives dans des récipients qui avaient alors un vernis noir uniforme.

Une figurine de Tanagra, ca. 260 avant notre ère. (Persienne).

Dans l'art de la miniature, les figurines en céramique ont évolué parallèlement au développement général de la sculpture grecque, et les œuvres les plus précieuses ont été produites pendant la période alexandrine. D'innombrables figurines ont survécu et sont communément appelées figurines tanagra*car ils ont été trouvés en abondance dans une ancienne ville appelée Tanagra en Béotie considérée comme le centre de leur production. Ils reproduisaient souvent des types praxitéliques : des personnages vêtus de robes élégantes comme les Muses de Mantinée, Vénus nue, et des groupes de danseurs et d'amours. Certaines figurines Tanagra semblent avoir eu le caractère d'ex-voto : elles représentent des femmes dansant comme si elles pratiquaient une danse liturgique à l'intérieur d'un temple.

Tout l'art de l'époque hellénistique a quelque chose de commun quelle que soit la région où il s'est produit : il a toujours eu une apparence d'affectation. Dans toute sa production artistique, il y a un aspect théâtral de fausse sentimentalité. Mais, comme nous l'avons dit, ce n'est qu'une apparence : au fond il y a un fort désir de créer, et comme il n'y avait pas une foi forte comme il y en avait dans les temps anciens, les artistes soulageaient leur talent avec excès d'héroïsme simulé ou de vulgarité absorbée. . Les diverses interprétations philosophiques de l'époque peuvent expliquer de nombreux aspects de l'art hellénistique.

L'art hellénistique a parfois été décrié comme baroque et a été comparé à l'art des Français Grandiose Siècle et le rococo du XVIIIe siècle. Naturellement, il y a une coïncidence que les deux aient été des périodes de transition intellectuelle. Au cours des derniers siècles de l'histoire antique de la Grèce, la culture et le désir de jouissance intellectuelle ont pénétré toutes les classes sociales.

La Dame en bleu (Louvre), terre cuite, ca. 330-300 avant notre ère. Cette figurine Tanagra représente une femme drapée portant un himation et tenant un éventail.

Ara : Le mot latin pour autel.

Bouleutérion : Également traduit par maison du conseil, maison de l'assemblée et maison du sénat, était un bâtiment de la Grèce antique qui abritait le conseil des citoyens d'une cité-État démocratique. Ces représentants se réunissaient au bouleteurion pour conférer et décider des affaires publiques.

Urne cinéraire : (également connu sous le nom d'urnes funéraires). Vase, souvent avec un couvercle, qui a généralement un col rétréci au-dessus d'un corps arrondi et un piédestal à pieds. Ces types de récipients sont utilisés dans les enterrements, soit pour contenir les cendres incinérées, soit comme objets funéraires.

Clepsydre : (du grec kleptine, ce qui signifie ‘voler’ et hydrure, ce qui signifie ‘eau’). Une horloge à eau. Il fait référence à toute pièce d'horlogerie dans laquelle le temps est mesuré par le débit régulé de liquide entrant (type d'entrée) ou sortant (type de sortie) d'un récipient où la quantité est ensuite mesurée. Les horloges à eau sont l'un des plus anciens instruments de mesure du temps. On ne sait pas où et quand ils ont été inventés pour la première fois, et compte tenu de leur grande antiquité, cela ne le sera peut-être jamais.

Glyptique : L'art ou le processus de sculpture ou de gravure, en particulier sur des pierres précieuses.

Gnomon : (du grec gnmōn, signifiant littéralement : “ celui qui sait ou examine” ). Un gnomon est la partie d'un cadran solaire qui projette une ombre. Le terme est utilisé à diverses fins en mathématiques et dans d'autres domaines.

Sur place : Dans l'art, in situ désigne une œuvre d'art réalisée spécifiquement pour un site d'accueil, ou qu'une œuvre d'art tient compte du site dans lequel elle est installée ou exposée. Le terme peut également désigner une œuvre d'art créée sur le site où elle doit être exposée, plutôt qu'une œuvre créée dans l'atelier de l'artiste puis installée ailleurs.

Sfumato : Une technique de peinture pour adoucir la transition entre les couleurs. Léonard de Vinci était le plus éminent praticien du sfumato, l'utilisant dans de nombreux ouvrages, dont le Vierge aux rochers et dans son célèbre tableau du La Joconde. Il a décrit le sfumato comme "sans lignes ni bordures, à la manière de la fumée ou au-delà du plan de mise au point". Sfumato est l'un des quatre modes de couleurs de peinture disponibles pour les peintres italiens de la Haute Renaissance, avec cangiante, clair-obscur et union.

Stoa: Dans l'architecture grecque antique, il s'agit d'une passerelle couverte ou d'un portique, généralement à usage public. Les premiers stoas étaient ouverts à l'entrée avec des colonnes, généralement d'ordre dorique, tapissant le côté du bâtiment, elles créaient une atmosphère sûre, enveloppante et protectrice. Les exemples ultérieurs ont été construits sur deux étages et incorporaient des colonnades intérieures généralement de style ionique, où se trouvaient des magasins ou parfois des bureaux. Les stoas entouraient généralement les places de marché ou l'agora des grandes villes et étaient utilisées comme dispositif d'encadrement.

Figurines Tanagra : Les figurines de Tanagra étaient un type de figurines en terre cuite grecques moulées produites à partir de la fin du IVe siècle avant notre ère, principalement dans la ville béotienne de Tanagra. Ils étaient enduits d'un engobe blanc liquide avant la cuisson et étaient parfois peints ensuite dans des teintes naturalistes à l'aquarelle. Les figurines Tanagra représentent de vraies femmes - et certains hommes et garçons - en costume de tous les jours, avec des accessoires familiers comme des chapeaux, des couronnes ou des éventails. D'autres ont poursuivi une tradition antérieure de figures en terre cuite moulées utilisées comme images de culte ou objets votifs. En général, ils mesurent environ 10 à 20 centimètres de haut.

Torque : Également orthographié torq ou torque, est un grand anneau de cou rigide ou raide en métal, fabriqué soit en une seule pièce, soit à partir de brins torsadés ensemble. La grande majorité est ouverte sur le devant, bien que certaines aient des fermetures à crochets et à anneaux. Beaucoup semblent conçus pour une usure quasi permanente et auraient été difficiles à enlever. Les torcs se trouvent dans les cultures scythe, illyrienne, thrace, celtique et autres de l'âge du fer européen du 8ème siècle avant JC au 3ème siècle après JC.


Quand un dieu grec apporta du vin en Inde

Un ancien poème épique raconte la "guerre indienne" de Dionysos.

Le triomphe de Dionysos, représenté sur un sarcophage romain du IIe siècle. Dionysos monte dans un char tiré par des panthères, sa procession comprend des éléphants et d'autres animaux exotiques. Crédit : Wikimedia Commons

Détail du codex en papyrus montrant Dionysiaca 15. 84-90. Crédit : Wikimedia Commons

Alexandre le Grand n'a passé que quelques années dans le sous-continent indien et ses conquêtes y ont été de courte durée. Après avoir fait campagne le long de l'Indus et de ses affluents de 327 à 325 avant notre ère, il a quitté la région pour ne jamais y revenir. Mais l'impact de la rencontre entre l'armée grecque d'Alexandre et le monde indien fut énorme. Du royaume gréco-bactrien d'Asie centrale aux légendes du dialogue d'Alexandre avec un brahmane, la campagne du leader macédonien a façonné la politique et la culture à travers le monde antique pour les siècles à venir. L'un des produits les plus étranges et les plus frappants de cet héritage est apparu plusieurs centaines d'années plus tard, sous la forme du dernier et du plus long poème épique de la littérature grecque antique : le Dionysiaque. Écrit au moment où le culte des dieux grecs allait disparaître au profit du christianisme, le Dionysiaque s'étend sur plus de 20 000 lignes (presque aussi longtemps que L'Iliade et L'Odyssée mettre ensemble). Son auteur, Nonnus de Panopolis, a tissé des dizaines de mythes autour d'une histoire centrale : la conquête de l'Inde.

Nonnus est né à Panopolis (aujourd'hui Akhmim), une ville du sud de l'Égypte avec de grandes communautés de langue grecque et chrétienne. On ne sait presque rien de sa vie. Les érudits ne peuvent dire avec certitude ni quand il est né ni quand il est mort. Ils sortent avec Nonnus’s Dionysiaque à quelque temps entre les dernières décennies du quatrième siècle de notre ère et les premières décennies du cinquième. C'était une époque de grands conflits politiques et de changements culturels de grande envergure dans l'Empire romain, alors que les tribus germaniques déferlaient sur les frontières du nord et que les empereurs chrétiens imposaient leur foi comme religion officielle. Nonnus lui-même semble être devenu chrétien à un moment donné de sa vie, composant un récit poétique de la Livre des Révélations. Mais il est surtout connu comme le dernier grand écrivain à avoir célébré les dieux de la Grèce antique.

Le héros conquérant de l'Inde du grand poème de Nonnus n'était pas Alexandre, mais Dionysos, le dieu grec du vin. Les légendes ont longtemps lié Dionysos à l'Asie. Il était censé être venu d'Orient en Grèce sur un char tiré par des panthères exotiques, après avoir enseigné l'art de la vinification à diverses cultures asiatiques. Nonnus a transformé ces histoires et leur a ajouté toutes les autres histoires disponibles sur Dionysos de la littérature grecque. Il a créé un poème d'une longueur et d'une portée sans précédent, qui est à la fois un catalogue de mythes résumant mille ans de culture grecque et une parodie absurde d'épopées antérieures sur les thèmes de la guerre et de l'errance.

L'histoire du Dionysiaque commence avec Zeus, chef des dieux grecs, ordonnant à Dionysos de se rendre en Inde, dont les habitants refusent de l'adorer. Les Indiens préfèrent obstinément leurs dieux ancestraux du feu et de l'eau. Pire encore, ils refusent de boire du vin, le « millésime qui oublie les soins » de Dionysos. Dionysos rassemble une énorme armée. Alors qu'il traverse le monde antique jusqu'en Inde, il collectionne également un certain nombre d'amants. Son ennemi est Dériades, souverain de l'Inde et fils de la rivière Jhelum (où Alexandre avait combattu Porus des siècles auparavant). Dériades, étant lui-même à moitié rivière, ne boit que de l'eau. Il méprise la boisson de Dionysos, insistant sur le fait que « mon vin est la lance ». Aidé par des brahmanes versés dans la sorcellerie, Dériades livre plusieurs batailles avec Dionysos avant de finalement succomber au pouvoir du dieu. Comme Alexandre, Dionysos rentre ensuite chez lui après sa victoire, avec plusieurs autres histoires d'amour en cours de route.

Nonnus n'était en aucun cas un expert de l'Inde, même selon les normes de son époque et sa vision de l'Inde est remplie de détails fabuleux et inexacts. Mais il a repris certains éléments de rapports grecs antérieurs. L'idée que les Indiens vénèrent le feu et l'eau, par exemple, peut avoir été une référence déformée aux temples du feu zoroastriens et au statut sacré du Gange. Les brahmanes et les yogis, qui fascinaient depuis longtemps les Grecs par leurs modes de vie ascétiques, leurs prouesses philosophiques et leurs supposés pouvoirs magiques, apparaissent à plusieurs reprises dans le Dionysiaque, toujours comme des figures redoutables. Comme Nonnus ne savait rien de l'histoire indienne mais croyait apparemment que chaque grand peuple devait avoir été fondé par un héros, il inventa Indos, un titan qui aurait combattu avec Zeus lui-même et engendré la "race indienne".

Le triomphe de Dionysos représenté sur un sarcophage romain du IIe siècle. Dionysos monte dans un char tiré par des panthères, sa procession comprend des éléphants et d'autres animaux « exotiques ». Crédit : Wikimedia Commons

Les Dionysiaque a été oublié pendant une grande partie du Moyen Âge, mais il a été redécouvert au 17ème siècle. Traduit en français, italien et d'autres langues européennes, ses histoires compliquées et entrelacées, ses changements de genres et sa maîtrise érudite du mythe classique ont inspiré des poètes baroques ainsi que des peintres comme Nicolas Poussin. Plus tard, alors que des classiques de la littérature indienne comme le Mahabharata et le Ramayana sont devenus plus familiers aux Européens, les érudits occidentaux ont commencé à réfléchir à leurs liens possibles avec le poème de Nonnus. William Jones était l'un des nombreux orientalistes du XVIIIe siècle à suggérer que le Ramayana pourrait avoir influencé le Dionysiaque. En effet, Jones, qui avait prétendu avoir lu le Dionysiaque « avec un grand empressement quand j'étais très jeune » croyait qu'une comparaison des deux poèmes pourrait montrer que Dionysos et Rama « avaient été la même personne » !

L'érudition moderne a réfuté ces hypothèses fantastiques, mais Jones a le mérite d'être l'un des premiers penseurs à comparer les traditions littéraires classiques de l'Europe et de l'Inde. Son enthousiasme pour le Dionysiaque a été transmis aux générations futures, car un petit groupe de lecteurs dévoués, des grands de la littérature comme la romancière belge Marguerite Yourcenar à la mystique française Simone Veil, a maintenu l'intérêt européen pour Nonnus. Une nouvelle traduction massive achevée il y a une décennie sous la supervision de Francis Vian, a renouvelé l'intérêt des chercheurs, avec une attention particulière portée aux liens avec le Dionysiaque et les cultures asiatiques. Peut-être que Dionysos va reconquérir le monde.

Blake Smith est doctorant en histoire à la Northwestern University et à l'École des hautes études en sciences sociales, et actuellement International Fellow au New Europe College.


Didim - Un voyage à travers l'histoire et le temps

Didim est un endroit fabuleux où vivre et si vous êtes un fanatique d'histoire, alors c'est ici que vous devriez être. Datant de milliers d'années, il possède une pléthore d'artefacts riches, de temples et de ruines de la ville antique et trois qui méritent une visite sont le temple d'Apollon, l'ancienne ville de Priène et l'ancienne ville de Milet.

Le temple d'Apollon a été construit au 8ème siècle à l'origine comme un centre de divination et de culte pour Milet et au fil des ans, il s'est imposé comme le centre le plus important de la sorcellerie et de la culture divine en Anatolie. Dédié à Apollon qui était diversement reconnu comme le dieu grec pour la musique, la vérité, la prophétie, la guérison, le soleil et la lumière, la peste et la poésie, l'architecte it´s était Daphnis de Milet. Un chemin long mais sacré reliait également le temple à Milet, qui était orné de sphinx, de lions et de prêtres méditants.

L'ancienne ville de Milet remonte à l'âge du bronze et a été fondée au 11 e siècle av. Il prétend être le lieu où non seulement la philosophie est née, mais aussi où la planification du réseau a été utilisée, ouvrant la voie aux siècles à venir. Situé près du village de Balat, la première bataille navale enregistrée ´Lade´ était ici, l'architecte Isidorus est né à Milet et en 51 après JC St Paul a également vécu ici pendant un certain temps. Il existe de nombreux sites remarquables à voir ici, les plus importants incluent le théâtre antique d'une capacité de 15 000 spectateurs, les thermes de Faustina et l'église Saint-Michel dont les fondations sont construites sur le temple de Dionysos.

Priène a été fondée au 4 e siècle, initialement pour la déesse Athéna et elle est progressivement devenue l'une des villes les plus importantes de la grille. Situé sur le versant sud de la montagne Mykale, il abrite le temple d'Athéna et bien qu'il n'existe plus à ce jour, dans l'Antiquité, à l'avant du temple se trouvait une statue d'Athéna, construite en or et en ivoire. En ces temps, une partie de l'autel du temple est toujours intacte, bien que personne ne vénère ou ne prie encore Athéna, pas que nous sachions de toute façon ! La ville était si importante qu'au cours de ses nombreuses campagnes, on savait également qu'Alexandre le Grand restait dans la ville et faisait réparer le temple lorsqu'il était endommagé. Un temple égyptien dédié à Osiris et Isis a également servi à de nombreux voyageurs égyptiens et commerçants qui visitaient fréquemment la ville pour échanger leurs marchandises.

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Statuette de Dionysos de Priène - Histoire

PRIÈNE
L'ancienne ville portuaire de Priène a probablement changé d'emplacement lorsque le limon de la rivière Meander a menacé de l'enterrer. Maintenant, il est à près de 16 km / 10 mi de la mer. Le lieu d'origine de la ville n'a jamais été retrouvé mais il s'agissait probablement d'une péninsule avec deux ports. Priène a été aménagé sur un système hippodamien de plan quadrillé au pied d'une falaise spectaculaire sur le mont Mycale et contenait de nombreux exemples célèbres d'art et d'architecture hellénistique. Toutes les rues se coupent à angle droit. Restant petite avec environ 4 ou 5 000 habitants et n'ayant jamais eu une grande importance politique, elle partagea la même histoire que les autres villes ioniennes.

Histoire de Priène
Elle a été fondée sur la côte ionienne par les habitants d'une ville ionienne abandonnée du même nom en environ 350 av. Il a participé à la bataille de Lade avec 12 navires en 494 av. Alexandre le Grand a assigné la ville pour surveiller la ville peu fiable de Milet. Il a également vécu dans la ville et a payé pour la construction du temple d'Athéna. Après avoir prospéré pendant la période hellénistique et avoir traversé les périodes du royaume de Pergame, la ville a décliné sous la domination romaine et a ensuite été abandonnée. Les fouilles ont commencé sur le site dans les premières années du 20 s. et la ville a été partiellement restaurée.

Le site
La ville est organisée en quatre quartiers, le religieux (Temple d'Athéna), le politique (bouleterion et prytaneion), le culturel (Théâtre) et le commercial (agora). En plus du temple d'Athéna, les habitants de Priène ont construit des sanctuaires dédiés à Zeus, Déméter et aux dieux égyptiens.

Théâtre est un bâtiment du 4e ou 3e s. av. J.-C. et l'un des plus beaux théâtres existants du monde hellénistique. Bien qu'il ait été reconstruit à l'époque romaine, il reste aussi typiquement hellénistique que la ville de Priène elle-même. Le théâtre était creusé à flanc de colline et pouvait accueillir 5 000 personnes. Cinq sièges en marbre avec armes étaient prévus pour les prêtres et les dignitaires. Au milieu de la prohedria il y avait un autel qui était consacré à Dionysos. Les représentations commençaient par des rites sacrificiels. Les proskène est bien conservé et se compose d'une colonnade soutenue par 12 demi-colonnes doriques. Les skene avait un étage supérieur qui ne tient plus.

Le Bouleterion est aujourd'hui le plus intact d'Anatolie. Il servait aux réunions du conseil municipal. Le bouleterion se composait de sièges sur trois côtés d'une capacité de 640 personnes, et était couvert d'un large toit en bois. L'autel sacrificiel était placé au milieu de l'arc des sièges.

Le Prytanéion est situé à l'est du bouleterion. Elle était le siège de l'administration municipale élue et abritait les réceptions officielles. Les chambres étaient disposées autour de la cour. Le sanctuaire d'Hestia était dans une chambre intérieure où la flamme sacrée éternelle était brûlée.

Le temple d'Athéna Polias a été reconstruit en 334 avant JC comme un cadeau d'Alexandre le Grand et était une structure ionique standard avec onze colonnes le long de ses côtés, six aux extrémités et deux dans les antis. Athéna Polias était la déesse de Priène et la protectrice de la ville. Les proportions de ce temple ont été prises comme un modèle ou un motif classique par l'architecte romain Vitruve. L'architecte du temple d'Athéna était Pythéos qui a également construit le mausolée d'Halicarnasse, l'une des sept merveilles du monde antique.

MILET
Milet, une ville ancienne située près de l'actuelle Akkoy à l'embouchure de la rivière Buyuk Menderes (méandre), devait son importance à sa position sur les routes commerciales. C'était l'une des plus grandes villes d'Anatolie avec une population de 80 000 à 100 000 habitants. Très prospère, elle fonda de nombreuses colonies et fut la patrie des philosophes du 6 e s. av. J.-C. Anaximandre, Anaximène et Thalès, de l'urbaniste Hippodamus et de l'architecte Isidore. Milet semble avoir produit des génies comme Aphrodisias a produit des sculpteurs.

Histoire de Milet
Selon la légende, la ville a été fondée par Nélée, fils du roi Codrus d'Athènes. Neleus est venu s'installer avec ses hommes et a tué les hommes résidents, obligeant les femmes à épouser les nouveaux arrivants. Après cela, les femmes ont juré de ne pas s'asseoir à la même table que leurs maris et de ne pas les appeler par leurs noms.

Au 11 e s. av. J.-C. les Ioniens arrivèrent à Milet, et au 7 e s. av. J.-C. Milet était à son apogée qui devait durer plus de deux siècles. Avec d'autres villes d'Ionie en 499 av. Cette dernière bataille était celle de Lade en 494 avant JC, juste à l'extérieur du port de Milet où la flotte perse de 600 navires de guerre a vaincu la force ionienne. La destruction était si grave que lorsque la pièce de Phrynicus, La capture de Milet a été jouée à Athènes, comme le rapporte Hérodote, « tout le théâtre a fondu en larmes et le peuple a condamné le dramaturge à payer une amende ». Le rôle de Milet était important dans la défaite des Perses à la bataille de Mycale en 479 av. Peu de temps après la bataille, Milet a rejoint la Confédération de Delian avec une contribution plus importante que celle d'Éphèse. Suite à un accord entre le satrape perse et Athènes, Milet et d'autres villes ioniennes d'Anatolie passèrent à nouveau sous la domination des Perses. A la fin du 5 s. av. J.-C. Milet est gouverné par les satrapes cariens.

Capturé par Alexandre le Grand après un siège en 334 av.

Saint Paul s'y est arrêté en 57 après JC sur le chemin du retour à Jérusalem à la fin de son troisième voyage missionnaire. À Milet, Paul envoya un mot à ses amis d'Éphèse pour qu'ils le rejoignent, et après avoir parlé avec eux pour la dernière fois, il leur fit des adieux émouvants, monta à bord de son navire à Milet et s'embarqua via Cos et Rhodes jusqu'à Patara.

La période romaine a été suivie par les périodes byzantine et turque.

Le site
Milet était une grande ville portuaire située sur une péninsule avec quatre ports. Avec l'ensablement de la rivière Buyuk Menderes (méandre), les ruines de l'ancienne ville se trouvent aujourd'hui à quelques kilomètres de la mer.

La ville avait un plan quadrillé élaboré par Hippodamus lors de sa reconstruction au 5 s. av.

Théâtre était un petit théâtre hellénistique d'une capacité de 5 300 places, mais au début du 2 s. après J.-C., il a été transformé en théâtre romain et pouvait accueillir environ 15 000 personnes. La partie inférieure a été construite sur une colline naturelle et la partie supérieure est soutenue par des sous-structures voûtées jusqu'à une hauteur de 40 m / 131 ft. La façade face au port mesure 140 m / 460 ft de long. À l'époque romaine, le bâtiment de la scène avait trois étages et mesurait 34 m de large. Devant le bâtiment de scène, il est encore possible de voir des pièces représentant des scènes de chasse d'Eros.

Au sommet de la colline du théâtre se trouvait un byzantin forteresse qui aurait été construit principalement avec les pierres du théâtre au 7 s. après JC mais restauré plus tard par les Seldjoukides. Monuments portuaires se tenait devant le port des Lions. Il y en avait deux de tailles différentes mais de style similaire. La grande pièce mesurait 7,5 m / 25 pi de haut, montée sur une base à trois coins construite sur une fondation ronde d'un diamètre de 11 m / 36 pi. La plus petite ne mesurait que 5,3 m / 17,5 pi.

Le Delphinium était un sanctuaire hellénistique en plein air entouré de stoas sur quatre côtés avec un autel du 6 e s. av. J.-C. au centre. Avec Apollon, le dauphin était sacré pour les Milésiens car ils croyaient que lorsque les premiers colons ont navigué, ils ont été guidés par Dieu sous la forme d'un dauphin. Le festival annuel et les célébrations de Didyme ont commencé ici. Un Stoa ionique être parallèle à la processionnel route au sud du Delphinium. C'est une structure 1C AD qui avait 35 colonnes ioniques et 19 magasins derrière les colonnes.

Le Bouleterion était un bâtiment du 2e s. av. J.-C. composé d'un propylon, d'une cour et d'un auditorium. Le propylon avait trois colonnes corinthiennes et des frises représentant des scènes de guerre. Elle s'ouvrait sur une cour avec un tombeau monumental au milieu. Il y avait quatre portes qui s'ouvraient dans le hall principal. L'auditorium pouvait accueillir 1 500 personnes et avait un toit en bois. Le Nymphée a été construit pour la première fois au 2e siècle après JC et reconstruit au siècle suivant. Il faisait face au bouleterion de l'autre côté de la route de procession et avait trois étages avec des statues de dieux placées dans des niches et de l'eau jaillissant de la bouche de poissons en bronze.

L'agora sud gisait derrière le bouleterion. C'était une structure hellénistique qui a ensuite été remaniée à l'époque romaine. Aujourd'hui la porte nord est malheureusement un autre joyau d'Anatolie actuellement conservé au musée de Pergame à Berlin. La porte sud mesurait 180 m sur 150 m (196 yards sur 164 yards) et a été détruite lors de la construction de la mosquée Ilyas Bey.

Le temple de Sérapis entre l'agora sud et les bains de Faustine. Il se composait d'un pronaos et d'un naos avec des colonnes corinthiennes et un relief de Sérapis sur le fronton. Le temple était un édifice du 3e s. av. J.-C. reconstruit au 3e s. après J.-C. grâce à un don de l'empereur Jules Aurelius.

Les thermes de Faustine étaient des thermes romains du 2e siècle après JC construits par Faustine, la femme de Marc Aurèle qui accompagnait habituellement son mari dans ses voyages à travers l'Empire. Le frigidarium avait une statue allongée du dieu de la rivière personnifiant probablement la rivière Meander.

Ilyas Bey Camisi (La mosquée Ilyas Bey) faisait partie d'un complexe composé d'une mosquée, d'une medrese, d'un cimetière et d'un imaret. Il a été construit au début du 15 s. par Ilyas Bey, le commandant militaire régional ottoman. Le dôme de la mosquée était en briques. A l'entrée se trouvent trois cloisons voûtées séparées par deux colonnes. L'entrée se fait par l'arche centrale. La mosquée a été détruite en 1955.

Le caravansérail est un édifice du 15 e s. construit par la Principauté de Mentese qui comportait un étage inférieur pour les animaux et un étage supérieur pour les personnes.

DIDYME
Le mot Didyma signifiait "jumeaux" et a été associé par certains comme étant le lieu de rencontre de Zeus et Leto pour avoir leurs jumeaux Apollo et Artémis. Anatolie. Ce n'était pas une ville mais un sanctuaire relié à Milet par les Milésiens avec une route sacrée de 19 km. Cependant, cette route n'a peut-être pas été construite avant la fin du 1C AD. Outre les pèlerinages effectués par la mer, des festivals de théâtre, de musique et de sports s'y tenaient tous les quatre ans.

Temple d'Apollon
Même si l'on pense qu'il existait un sanctuaire avant l'arrivée des Ioniens au 10 s. av. J.-C., un temple sur le même site a été construit au 6 s. av. Au 4 e s. av. J.-C., les Milésiens ont commencé à reconstruire le temple mais n'ont pu le terminer en raison de problèmes financiers. Aux 1er et 4e s. de notre ère, les empereurs romains essayèrent mais ne purent pas non plus achever la construction. Plus tard à l'époque byzantine, Théodose II fit construire dans la cour à ciel ouvert une église qui fut détruite par un tremblement de terre au 15 s. Même dans son état inachevé, le temple d'Apollon était considéré comme l'un des plus grands temples du monde hellénistique, comparable au temple d'Artémis à Éphèse ou à l'Héraion de Samos.

Le temple mesurait 110 m / 360 pi de long et 51 m / 167 pi de large avec une hauteur de 24 m / 78 pi. C'est un diptère dans l'ordre ionique avec 120 colonnes dont 108 entourant le bâtiment par une double rangée et 12 dans le pronaos. Comme le souligne George Bean dans Turquie égéenne, le temple d'Apollon « rappelle que l'immensité de l'architecture n'était pas purement le monopole des Romains ». C'était un temple inhabituel, non seulement à cause de sa taille énorme mais aussi pour son antichambre avec deux colonnes corinthiennes et deux tunnels qui menaient à la cella. L'antichambre, également appelée Cresmographeion a probablement servi de bureau d'oracle où les prophéties étaient écrites et livrées aux gens. Au milieu du temple se trouve une cour en plein air (adyton) avec un autre sanctuaire ionique qui abritait la statue culte d'Apollon. Il y avait quelques sources chaudes où la prêtresse de Didyme plongeait ses pieds ou inhalait les vapeurs de l'eau pour s'inspirer avant de prophétiser.

L'énorme relief de Méduse qui se trouve à côté du temple est une pièce du 2 s. de notre ère qui est tombée de la frise. Un peu plus loin se dressent les restes d'un autel et d'un puits. Avant de demander une prophétie aux prêtres du pronaos, les gens se purifiaient avec l'eau du puits et faisaient des offrandes votives sur l'autel.


File:Statue d'un jeune guerrier, Statue culte de Dionysos, de la villa de Dionysos, Musée Archéologique, 2e. c. J.-C., Dion (6930405040).jpg

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Statuette de Dionysos de Priène - Histoire

Im Zentrum der Arbeit stehen Kulturaustausch und Akkulturationsaspekte, die auf die Ansiedlung de. plus Im Zentrum der Arbeit stehen Kulturaustausch und Akkulturationsaspekte, die auf die Ansiedlung der Griechen in Unteritalien und Sizilien zurückgehen und aus dem Mit- und Nebeneinanderleben der italischen und sizilischen result Bev unkerungsgruppenr.
Anhand der Entwicklung von Grabtypen, Beigaben und Bestattungssitten werden Einflüsse verschiedener Art untersucht wie die Beziehungen zwischen Kolonie und Mutterstadt, zwischen den Kolonien untereinander und zu ihrer Umgrbenungung und Umland zu de Die Untersuchung erfolgt anhand dreier Fallbeispiele – die euböischen Gründungen Pithekoussai und Kyme in Kampanien, die achäische Kolonie Metapontion und das spartanische Taras in Unteritalien und die rhodisch-kretischen Gründungen Gela und Alien.
Es gibt keinen homogenen in allen Kolonien auf die gleiche Weise ablaufenden Prozess, sondern jeweils lokale Entwicklungen, die aus den verschieden agierenden Kulturgruppen im Umland, der Zusammensetzung der griechischen Siedler ungruppe unben verschieden agierenden Kulturgruppen im Umland, der Zusammensetzung der griechischen Siedler ungrupped, de Koltegenänäen.
In allen drei Untersuchungsgebieten sind die griechischen Einflüsse in der indigenen Bestattungskultur deutlich es ist jedoch keine reine bernahme griechischer Gepflogenheiten zu beobachten. Die „Idee“, der einzelne Ritus oder Grabtyp und das Bedürfnis, diesen zu verwenden und auch zur Visualisierung sozial differenzierter Gesellschaftsgruppen zu benutzen, geht auf den durch die Koloniegründungen bedingükt direten. Die jeweilige Ausprägung und Gestaltung geschieht dann vor dem kulturellen Hintergrund der Indigenen.

Die Dissertation erscheint als zweiter Band in der neu gegründeten Reihe „Italiká“, die ausschließlich die Archäologie des vorrömischen Italien mit all ihren Bereichen zum Thema hat und damit einem aktuellen und stetig anwachsenden Forentschungsungs. „Italiká“ wird monographische Werke und thematisch einheitliche Sammelschriften aus allen Gebieten der Altertumskunde aufzunehmen, die sich im weitesten Sinne mit Quellen, Befunden und Funden zu den Bevölkerungsgruppen auf de unfam Territorium des Italiens dans la méthode innovante das weit gefächerte Spektrum der komplexen Welt der Kulturkontakte exemplarisch beleuchten.


La tête en marbre du dieu Dionysos, vieille de 2 000 ans, découverte sous Rome

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"Les archéologues creusaient un mur de la fin du Moyen Âge lorsqu'ils ont vu, caché dans la terre, une tête de marbre blanc", a déclaré un communiqué du parc archéologique du Colisée, qui englobe le forum romain.

« Il était encastré dans le mur et avait été recyclé comme matériau de construction, comme cela arrivait souvent à l'époque médiévale. Extrait du sol, il s'est révélé dans toute sa beauté."

L'une des choses fascinantes à propos de l'histoire ancienne est que les gens entre les anciens et nous ont recyclé des matériaux de construction alors qu'ils ne pouvaient pas facilement acquérir eux-mêmes des matériaux de construction. Le Colisée, par exemple, a eu une grande partie de son extérieur dépouillé au Moyen Âge (et plus tard) pour être utilisé pour des routes et d'autres projets en dehors de la ville.

Quelqu'un, il y a des centaines d'années, a coupé la tête (ou l'a trouvée cassée) de cette statue et l'a utilisée comme une brique !

J'étais sur une fouille archéologique l'été dernier à environ 2 heures au nord de Rome. Nous étions en train de creuser un bain romain qui avait été utilisé pendant la période médiévale. Les réservoirs d'eau géants en calcaire qui se trouvaient à l'origine au-dessus du bâtiment avaient été démontés et utilisés pour fabriquer Lyme pour la construction et l'amphore avait été brisée et utilisée pour faire un deuxième étage au-dessus du sol romain. Assez étrangement, nous creusons à travers ce joli deuxième étage qui se profile et nous heurtons un magnifique sol romain en os de hareng fait de briques. Les murs étaient recouverts de plâtre et avaient même la peinture rouge d'origine à la base, ce qui était incroyable. J'ai en fait trouvé une tête de méduse dans cette même pièce qui, comme cette tête de Dionysos, avait été réutilisée et utilisée pour construire ce deuxième étage.

Une autre chose intéressante était qu'il y avait une pièce dans laquelle nous avons trouvé des pièces de jeu et des pièces de monnaie indiquant que la pièce avait été transformée en une sorte de zone de jeu à l'époque médiévale. Le but principal de la fouille est de comprendre pourquoi il y avait un bain public là-bas en premier lieu. La ville était sur une colline/péninsule qui n'avait pas de pluie et pourtant les Romains y avaient un bain public et nous ne savons toujours pas comment ils ont pu gérer cela.


Voir la vidéo: Statuette Guilding Video (Novembre 2022).

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